Mas Bladrich, Los Nombres (Obra Social Catalana'15 y III)

MAFALDA.-

Joaquín Salvador Lavado, Quino, dió vida a Mafalda entre los años que van del 1964 hasta el 1973.
El nombre de "Mafalda", surgió de la versión cinematográfica de la novela "Dar la cara", de David Viñas; en una escena de esa película aparece un bebé femenino dentro de un moisés que se llama así, y Quino adoptó el nombre, ya que le pareció alegre.
"-¿Por qué mujer? No lo sé. Al principio uno no se detiene a pensar en esas cosas.-".
Mafalda retrató y.reflexionó sobre la situación del mundo y las personas que en él vivimos. Luchadora social incansable, es famosa por la gracia de sus preguntas, la inocencia de su mundo y la altura de sus ideales.
Esta tira protagonizada por esa niña rebelde y tierna, junto a su singular grupo de amigos, se ha convertido en objeto de culto, no sólo en su país natal sino en muchos países alrededor del planeta.
Según opinan los expertos, con Mafalda, el género de la historieta pasó de lo social a lo psicológico. Con una exacta dosis de simpleza y profundidad, Mafalda se convirtió en el personaje de historieta que más significa hoy para los argentinos.
"Las tiras de Mafalda están sembradas de tópicos argentinos, y siempre me he preguntado cómo pueden entenderlas en otras culturas"



Sobre 1973 Quino se encontraba agotado y con temor a repetirse y por respeto a los lectores, y a los personajes de su tira, creyó que lo más digno era terminar con Mafalda, cosa que ocurrió el 25 de junio de ese año.
"Me costaba mucho esfuerzo no repetirme, sufría con cada entrega. Cuando uno tapa el último cuadrito de una historieta y ya sabe cuál va a ser el final es porque la cosa no va. Y por respeto los lectores y a mis personajes y por mi manera de sentir el trabajo decidí no hacerla más y seguir con el humor que nunca dejé de hacer."



MUSICAL BOX.-

Dedicada al grupo de Rock sinfónico Genesis. Fue incluida en el tercer álbum del grupo, "Nursery Cryme" del año 1971.
Nursery Crime (juego de palabras entre "nursery rhyme" canciones de jardín o guardería y "nursery crime" crimen en la guardería) fue el primer álbum en tener la formación más representativa de Genesis: Peter Gabriel (voz y flauta travesera) Mike Rutherford (bajo y guitarra de 12 cuerdas), Tony Banks (teclados y guitarra de 12 cuerdas), Phil Collins (batería, percusión) y Steve Hackett (guitarras) y corresponde al siguiente nivel en el proceso musical iniciado con el álbum Trespass.
La mayor parte de las canciones fueron compuestas entre todos los miembros del grupo aunque lo rutinario fuese durante esta primera época que Banks y Rutherford escribiesen la mayor parte de la música, mientras que Gabriel hacía lo propio con las letras. Aunque las raíces de la banda estaban en rithm and blues blanco, especialmente en Gabriel, la banda se plantea el reto de ser los proveedores de la fantasía en el rock Inglés y es así como Nursery Cryme se convierte en un disco lleno de historias del siglo 19, de los mitos griegos y de la campiña inglesa. Génesis había inventado su propio género, el rock de estilo eduardiano.
Es, simplemente, rock sinfónico de los 70. Canciones largas, melotrón, atmósferas, pretensiones de hacer música clásica con instrumentos de rock, letras mitológicas… esta fórmula aparecería más perfeccionada en lanzamientos posteriores como Foxtrot o Selling England by the Pound.



The Musical Box es una de las piezas más representativas y emblemáticas. Tiene un sentimiento victoriano, y fue presentada como un cuento de hadas de esa época. La canción es una poesía épica de diez minutos. Toca los temas de la muerte, la reencarnación y la lujuria; transcurre en la Inglaterra victoriana y cuenta la historia de dos niños pequeños en una casa rural.
La pequeña niña Cynthia mató al pequeño niño Henry decapitándolo con un palo de croquet mientras jugaban. La letra de la canción comienza en el momento en que Cynthia encuentra la cajita musical de Henry, que toca la canción de niñera (nursery rhyme) "Old King Cole" al abrirla la niña.
Mientras esto sucede, el alma de Henry regresa a su cuerpo restaurado. Sin embargo, Henry comienza a envejecer rápidamente quedándole de niño sólo la mente y los ojos. La vida que nunca tendrá comienza a pasar frente a sus ojos, así como también sus deseos. Mientras Henry intenta persuadir a Cynthia para saciar su deseo romántico, la niñera oye el ruido y se dirige a la habitación para ver qué está ocurriendo. Impulsivamente, ella le arroja la cajita musical al niño anciano, destruyéndolos a ambos. La portada del álbum es una representación parcial de esta canción y de la historia: la figura de Cynthia sostiene el palo de croquet, hay un aro cerca, y en lugar de pelotas de croquet, hay algunas cabezas en el suelo. El clímax de la canción llega con los sentimientos de Henry hacia Cynthia, representando su visión lujuriosa de ella y coronando la imagen con la línea:
She's a lady, she is mine! (¡Es una mujer!, ¡es mía!)
Y luego, Gabriel acaba así su canto:
Why don't you touch me? (¿Por qué no me tocas?)
Touch me, NOW, NOW, NOW, NOW! (¡Tócame!: ¡YA, YA, YA, YA!)

Y como The Musical Box es como se conoce a una banda tributo legitimada por los componentes de Génesis.

BRON BROEN.-

El puente (en danés: Broen; en sueco: Bron) es una serie policiaca de la televisión escandinava.
Un día, a principios de los 90, Suecia necesitaba con urgencia obreros y Dinamarca tenía demasiada gente en el paro. Si hubieran sido dos países limítrofes normales, es decir, pegaditos por la espalda como España y Portugal, la solución habría sido fácil. Pero suecos y daneses estaban separados por 16 kilómetros de mar.
Ambos gobiernos fantasearon, en 1991, con la construcción de un puente imposible, el más más grande y costoso del mundo. Una plataforma tan extensa que necesitaría una isla artificial en medio para que no se viniera abajo por el viento del Báltico. Una construcción tan compleja que la mitad de su estructura estaría por encima del mar y la otra mitad sería subterránea. Una obra titánica con un objetivo simple: unir las ciudades de Copenhague en Dinamarca y Malmö en Suecia. Se dieron un plazo breve para acabar la obra: ocho años; el resto del mundo pensó que los nórdicos se habían vuelto locos. Sin embargo, el Puente de Oresund resultó un éxito arquitectónico sin precedentes y se inauguró –puntual– el 14 de agosto de 1999.
El puente Oresund, de ocho kilómetros, une la capital danesa, Copenhague, con la ciudad sueca de Malmö (bueno, realmente es un puente y unos 4 kilómetros de túnel).

«Bron/Broen» es una serie comprometida y adulta. La serie comienza cuando es hallado un cadáver en el puente, justo en la frontera. El cuerpo ocupa los dos lados, por lo que acuden policías de los dos países.
Saga Norén es el nombre de la policía sueca: rubia, sagaz, antisocial, y con un síndrome de Asperger galopante. Si Sheldon Cooper (TBBT) hubiera nacido en Malmö, fuera detective y señorita, se llamaría Saga Nordén.
Martin Rohde es el nombre del policía de homicidios de Copenhague. Un tipo desorganizado, un poco gordo y barbudo, con la risa fácil y contagiosa; impulsivo en sus decisiones, algo amoral y, sobre todo, casado y divorciado muchas veces, con hijos desperdigados y una reciente vasectomía que le duele.
Saga y Martin se ven las caras por primera vez en medio del majestuoso Puente de Oresund que une a sus dos culturas, y con un cadáver todavía caliente a sus pies. Cada uno de los dos quiere llevar el caso a su jurisdicción, porque Saga Nordén (y el resto de los suecos) piensa que todos los daneses son criaturas caóticas, y Martin Rohde (y el resto de los daneses) cree que todos los suecos se creen seres superiores.
En la primera temporada Saga y Martin se enfrentan al Terrorista de la Verdad, el cual comete sus crímenes haciendo hincapié en diversos problemas sociales: inmigración, vagabundos, explotación infantil, violencia policial, algo de política, periodismo amarillo…



A veces tenemos tan idealizado un país o una forma de vida que en ocasiones nos olvidamos que la oscuridad reina en todas partes. Los países escandinavos, a la distancia, los tenemos siempre sublimados. Cada vez que sale un estudio de dónde se vive mejor, donde hay más derechos que faciliten una vida estable o algo similar, ahí están casi siempre Suecia, Dinamarca o Noruega en alguno de los primeros puestos. Y suspiramos. Pero esa sensación de paz con la humanidad desaparece al profundizar con la ficción, en muchas series, películas y novelas negras ambientadas y creadas en estos países como Forbrydelsen, Wallander,...
Los escandinavos no paran de exportar relatos policíacos a cual más pesimista y oscuro. Y el cine y la TV no paran de adaptarlos.
Vienen a decir algo así como "cuidado, que aquí nuestros psicópatas son tan eficientes y avanzados como nuestras leyes".
Tras "Tu vecino podría ser un asesino" llega "tu país soñado también esconde un infierno".
Acaba de finalizar la 3ª temporada.

En los títulos de crédito de la serie tenemos una preciosa canción del grupo danés Choir of Young Believers, llamada Hollow Talk,

RETRO GIRl.-

Nombre de la heroína muerta en la serie de cómics Powers, cuya muerte da inicio a la historia, y que sirve de homenaje, referencia, a la misma.
Está escrita por Brian Michael Bendis y dibujada por Michael Avon Oemingde. Esta serie en general tiene un gran nivel, excepto cuando la multitarea de Bendis no le deja concentrarse en los guiones como debiera (por suerte ocurre poco). La editorial Image publicó su primer número en el año 2000 y actualmente se publica bajo el sello de reciente creación Icon, de Marvel, caracterizado por ser los creadores de la obra los propietarios de sus derechos



Powers es sinónimo de género negro, policíaco y superheróico. De acción, diversión, guiones interesantes, diálogos brillantes, La trama está situada en un universo alternativo donde conviven humanos normales y humanos con superpoderes. Se centra en Christian Walker y Deena Pilgrim, dos policías que investigan casos donde los superhéroes y villanos, conocidos como Poderes, se ven involucrados. Estos Powers ni están obligados a hacer el bien gracias a sus habilidades, ni parece que lo tengan entre sus objetivos. La gran mayoría vive su vida al estilo celebrity, asistiendo a fiestas, llevando una vida de excesos y aprovechando al máximo su status social.
Tienen los mismos defectos que sus convecinos humanos y muchos de ellos están lejos de ser un ejemplo a seguir.

Calista, le herededa de los poderes de Retro Girl

Sony Pictures Television a través de PlayStation Network ha lanzado una serie de TV, basada en este cómic. La Primera temporada es totalmente prescindible y olvidable a pesar de que los padres del invento (Bendis y Avon) están implicados. Todo parecido con el original es pura casualidad; un insulto y una vergüenza.
Charlie Huston, productor ejecutivo de la serie, y Brian Michael Bendis tenían muy claro que querían hacer algo distinto en televisión. Y efectivamente así ha sido: la han destrozado el concepto y la historia por completo.
La segunda temporada empieza donde los cómics y han contratado a actores de reconocido nivel y ya veremos...

RAN.-

Ran es una palabra que en japonés significa caos, miseria), aquí hace referencia a la película Ran de 1985, escrita y dirigida por Akira Kurosawa, el cual tardó casi 10 años en poder completarla.
La película es una tragedia sobre el poder, sobre la ambición y la estupidez de los hombres que luchan y guerrean.



La película está inspirada en la leyenda de un señor feudal llamado Mori Motonari, de cuyos tres hijos se dice que eran la misma personificación de la virtud, al preguntarse qué habría sucedido si éstos no hubiesen sido tan ejemplares. Parece ser que fue posteriormente, al empezar a trabajar sobre esta idea, cuando se dio cuenta del parecido con la historia de Shakespeare de El Rey Lear y se propuso adaptarla.
La obra del dramaturgo inglés cuenta la guerra fraticida de las tres hijas del rey Lear cuando éste decide dividir su reino entre ellas. Kurosawa cambia en su historia a las tres protagonistas de Shakespeare por tres hombres que traicionan su fidelidad a su padre por causa de las conspiraciones de las mujeres que les rodean. Ran se adentra en la historia del Japón, entre los años 1467 y 1582, cuando los diferentes clanes del país libraban encarnizadas luchas para salvaguardar su poder feudal.
Un gran señor, Hidetora Ichimonji (Tatsuya Nakadai), decide ceder su poder al llegar a la vejez. Delante de los principales vasallos reparte los tres castillos de su propiedad entre sus tres hijos: el mayor, Taro; el mediano, Jiro; y el menor, Saburo. Éste último rechaza esta decisión pues cree que sus otros dos hermanos rivalizarán por conseguir el total del poder. Herido en su orgullo, Hidetora le deshereda y le expulsa de su territorio. Mientras, sus hermanos Taro (alentado por su mujer Dama Kaede que desea vengarse del clan Ichimonji por haber matado a su familia) y Jiro se alían para derrocar a su padre. Hidetora abandonará su casa y vagará medio loco por sus antiguos dominios. A partir de aquí, se suceden las batallas, las intrigas, las rencillas, las muertes.

Ran es un film preparado municiosamente en todos sus detalles desde la planificación y la puesta en escena hasta el uso del color y el vestuario pasando por el empleo de el tono adecuado de la luz natural (se paraba el rodaje hasta que el realizador consideraba que se lograba la óptima).
La interpretación de los actores no está relacionada con el teatro clásico japonés. Los movimientos de los personajes están condicionados, no por reglas teatrales, sino por el formalismo y el código de la buena educación del siglo XVI. Este código lo reglamentaba todo: cómo sentarse, cómo moverse, dónde colocar el sable, etc.



El empaque estético, el rigor de la ambientación, con trajes de colores de la época y ruidos directos de sus movimientos ceremoniales, la pausa intensa e interior del drama y la composición visual de los planos, los suaves travellings laterales que subrayan determinadas acciones, la profundidad de campo... hacen que la historia que se nos cuenta adquiera una singular elegancia. A pesar de las dos horas y media de su metraje.
En las parábola de Mori Motonari este les da una flecha a cada hijo y les pide que la rompan. Tras hacerlo, les da tres flechas a cada uno y les pregunta si pueden quebrarlas. Cuando se demuestra que ninguno de los tres pueden, Motonari les dice que tres flechas pueden quebrarse fácilmente por separado, pero no juntas. Sin embargo, en Ran, Kurosawa, da una nueva respuesta al problema de las flechas: Saburō utiliza su rodilla para romper las tres juntas. Podríamos decir que Kurosawa aporta una visión realista, incluso pesimista, a la idealizada historia de Motonari y sus hijos. Ran no es esta una historia optimista en la que al final triunfe el bien es una agria y pesimista crítica a la condición humana, abandonada en medio de un escenario hostil, donde es violentamente atacada por la ambición, la venganza, la desconfianza, la envidia y el orgullo, en un movimiento que lleva únicamente a la autodestrucción. Kurosawa no culpa a Buda o a los dioses de las desgracias de los hombres, sino a ellos mismos, algo que deja claro en el último diálogo de la película, cuando Tango le dice al bufón Kyoami “¡No calumnies a los dioses o a Buda! Son ellos los que lloran por la maldad de los seres humanos... por la estupidez de estas criaturas pecadoras que creen que su supervivencia depende de matar a otros, repetidamente, una y otra vez a lo largo de toda la eternidad... ni siquiera Buda o los dioses pueden salvarnos de eso”

KINDRED SPIRIT.-

Kindred Spirit viene a significar Espíritu amable o Espíritu fraternal.
Entre en contacto con esta frase escuchando un disco de música celta. Bajo este nombre se escondía una recopilación de varios autores (Loreena Mckennitt, Capercailley,...). En concreto la canción que más me llamó la atención fue Yma O Hyd.
Yma o Hyd (en galés Aún Aqui) es una canción patriotica en idioma galés escrita por el cantautor Dafydd Iwan en 1981.
Es una de las canciones más populares por debajo de Hen Wlad fy Nhadau (Himno nacional oficial de Gales) y hace referencia a la supervivencia del pueblo galés y de su lengua en el día a día.

Dafydd Iwan es un ícono para el pueblo galés Por sus letras comprometidas con el pueblo ha tenido varios éxitos, entre el que se destaca «Yma O Hyd» (Aún aquí), lanzado en 1981. Toda su trayectoria es reconocida por su talento para la música, pero por su actividad política, por poner cuerpo y alma a los ideales y la identidad cultural de los ciudadanos galeses.



A bloeddiwn gerbron y gwledydd,
"Mi fyddwn yma tan Ddydd y Farn!"
Er gwaetha pob Dic Siôn Dafydd,
er gwaetha 'rhen Fagi a'i chriw,
byddwn yma hyd ddiwedd amser,
a bydd yr iaith Gymraeg yn fyw!
Ry'n ni yma o hyd,
ry'n ni yma o hyd,
er gwaetha pawb a phopeth,
er gwaetha pawb a phopeth,
er gwaetha pawb a phopeth.

Y vamos a gritar ante las naciones,
"Vamos a estar aquí hasta el día del juicio!"
A pesar de todas Dic Siôn Dafydd,
a pesar vieja Maggie y su tripulación,
vamos a estar aquí hasta el final de los tiempos,
y la lengua galesa estará vivo!
Todavía estamos aquí,
todavía estamos aquí,
a pesar de todo y de todos,
a pesar de todo y de todos,
a pesar de todo y de todos.

SERENITY.-

Serenity es una película del 2005 que se puede encuadrar dentro del terreno de la ciencia ficción. Es una demostración del talento de Joss Whedon donde se funden conceptos de la cultura tradicional china, del Spaghetti Western, de la ciencia ficción clásica y de la Guerra Civil Americana; todo ello conformando un sucio realismo con toques de comedia en el que se da cita lo sencillo con lo tecnológicamente complejo.
FOX dio luz verde a una serie de televisión bajo el nombre de ‘Firefly’. Joss Whedon ya había creado ‘Buffy, la cazavampiros’ y su spin-off ‘Angel’. Sin embargo Fox decidió emitir los episodios los viernes y no sólo no respetó el horario de emisión sino que alteró su orden cronológico, valga por ejemplo el hecho de que el episodio piloto no fue emitido hasta haberse podido ver otros diez capítulos. Casualmente, la serie fue cancelada después de la emisión de ese episodio en Diciembre de 2002.
Los fans lucharon todo lo que pudieron para que otro canal aceptase hacerse caso de la serie. No lo consiguieron pero lo que si lograron es que se editase la serie en DVD (algo menos habitual en esos años), ‘Firefly’ se mantuvo durante mucho tiempo entre los títulos más vendidos, algo que animó a Joss Whedon a intentar realizar un largometraje, el cual finalmente Universal aceptó producir (tras comprar los derechos a Fox) bajo el título de ‘Serenity’, nombre de la nave en la que viajan los protagonistas.

Siglo XXVI. Tras ganar la guerra Civil Galáctica, las dos grandes potencias mundiales, EE.UU. y China, se unen para formar un gobierno totalitario llamado Alianza Universal. El Capitán Malcolm Reynolds, que luchó en el lado perdedor, es un curtido veterano de la guerra que se gana la vida alquilando su nave, la Serenity y buscando trabajos al margen de la ley. Su única familia es una pequeña y leal tripulación de disidentes y rebeldes.
La historia de Serenity toma lugar aproximadamente dos meses después de los eventos del episodio final de Firefly.
Malcom embarca a dos nuevos pasajeros, un médico y su inestable y psiquica hermana, cuya mente contiene el secreto mejor guardado del universo y que está dotada impregnada subconscientemente de unas increíbles habilidades como arma letal.
La tripulación de la Serenity se verá atrapada entre el poderoso ejército de la utópica Alianza de Planetas que ha enviado a un creyente, El Operativo (Un enemigo creíble y muy interesante, su convencimiento y su fe en que la Alianza es el único camino posible para la salvación de la humanidad son muy sólidos) y los Ravers. Si en el salvaje oeste estaban los indios, en el espacio profundo habitan estos seres que una vez fueron hombres y que ahora no conocen otra cosa que la muerte, la destrucción, la violación y la mutilación.. Así las cosas, empiezan a darse cuenta de que quizá el mayor peligro se encuentra a bordo de la Serenity.



Uno de los puntos fuertes de toda esta historia es que los antagonistas no son una fuerza maligna como puede serlo el Imperio en Star Wars, sino algo con muchos más matices.
“La gente siempre piensa algo así como “Están luchando contra un malvado imperio”; mientras que yo digo “Bueno, no es realmente un imperio tan malvado”. La clave estuvo siempre en crear algo lo suficientemente complejo como para suscitar un debate, que no fuera blanco y negro, no “¡si disparamos en este agujero de la Estrella de la Muerte todo irá bien!”. Era más complicado que eso, especialmente que el gobierno fuera básicamente benévolo y más avanzado culturalmente”.
“Serenity” tiene el mismo problema que otras teleseries cuando se traspasan al ámbito cinematográfico: el formato de episodio semanal permite desarrollar convenientemente a todo el reparto de personajes, dando a todos oportunidad de perfilar su carácter distintivo. Pero una película te atrapa en el dilema de dar más escenas a cada personaje o desarrollar una historia general de tipo coral. Whedon opta por la segunda opción y el resultado es que muchos de los personajes de “Serenity” carecen de la profundidad y carisma que tenían en “Firefly”.
Aunque cosechó algún que otro premio fue una pena que Serenity no triunfara, más allá del reconocimiento de la crítica y de los aficionados al género; y fue durante varios años la película de ciencia-ficción más decente que se había estrenado.

MIRANDA.-

Si bien en Serenity Miranda es el gran secreto a descubrir, aquí este nombre hace referencia a otra cuestión.
En La Tempestad, de Shakespeare, Miranda es la hija de Próspero. Esta vía no se dedica al autor teatral sino al músico Michael Nyman, a través de la pieza musical Miranda incluida en la banda sonora de Prospero’s Books, film del director Peter Greenaway en 1991.
Miranda en el estudio era una intensa, vital y vigorosa pieza instrumental y de cara al directo se le añadió un coro de voces que, si ya era buena, la hizo mucho mejor.

Nyman y Peter Greenaway forman uno de esos tándems cinematográficos que uno no olvida fácilmente.
Para entender la relación artística que existió entre Michael Nyman y Peter Greenaway podemos recurrir a la enigmática pregunta: ¿Qué fue primero, el huevo o la gallina?.
No es absurdo teniendo en cuenta la forma tan sui generis de trabajar que tuvo enredados durante años a estos dos poetas.
Si la norma establecida es la de componer a-posteriori, es decir, después de visualizar la película o en su defecto leer el guión para relacionar música e imagen, en este caso músico y director invierten el proceso escribiendo a-priori, “de locos”… Lo que deja al director la responsabilidad final en la sala de montaje. ¿Qué fue antes, la música o la imagen?… Es una forma poco ortodoxa de trabajar pero que les funcionó muy bien pues los dos parieron algunas de las obras más originales y plásticas del séptimo arte.

The Prospero´s Books sea la partitura más comprometida de cuantas ha compuesto Michael Nyman. Posiblemente en el momento más dulce del pianista, sólo unos años antes de su consagración ante el gran público con "El piano
Tomando como referencia el texto de Shakespeare, “La Tempestad”, Nyman teje una complicada red de canciones –cinco- que proporcionan a la trama ese carácter teatral que está implícito en la historia. Conocidas como “Ariel songs” (por la importancia del personaje de Ariel en la obra), estas cinco canciones –Full fathom five o While you here do snoring lie, por poner sólo dos ejemplos- están escritas para la soprano Sarah Leonard y su propia banda, la Michael Nyman band.. A partir de aquí llega la parte más atractiva de la banda sonora, con cuatro maravillosos temas que constituyen lo más interesante y recordado del álbum: "Prospero's magic", "Miranda", "Twelve years since" y "Come unto these yellow sands". De ellas, la única composición original para la película era "Twelve years since", un corte calmado que parece anticipar futuros éxitos del británico en el mundo de la banda sonora, cambiando parte de sus ideas repetitivas por una melodiosidad ambiental. Las otras tres provienen de "La Traversée de Paris".
"L'entrée" era un gran comienzo para el multimedia, y Nyman lo aprovechó para darle forma (bastó con una ligera ampliación) a "Prospero's magic". "Le Théâtre d'Ombres Chinoises" acelerada fue una gratísima mejora para "Miranda", y el añadido de la voz en "Le Labyrinthe" la convierte en la excitante "Come unto these yellow sands", otra 'Ariel song' en la que despunta considerablemente Sarah Leonard.

En Miranda, Nyman propone una rítmica melodía, jovial y desenfadada que describe la naturaleza díscola de la hija, una melodía que esconde tras los vientos el diálogo de la venganza. Miranda es junto a The Draughtsman’s Contract la pieza más conocida del genio minimalista.



The Prospero´s Books puso fin a dieciocho años de relación profesional.
El director, sin aviso previo, decidió utilizar en el metraje final del film tan sólo una mínima parte de la música del compositor y amigo:
“Después de haber sido amigos, después de haber sido colegas, después de haber alcanzado una gran intimidad y haber desarrollado un profundo y genuino respeto mutuo y después de que yo compusiera la música de “Prospero’s Books” (que creo que fue la más rica, la mejor interpretada y aquella cuya grabación fue más costosa económicamente de las que hice para él), cuando asistí al estreno de la película (la única vez que la he visto), me encuentro con que, digamos, no había respetado mi música del mismo modo que lo había hecho hasta entonces. Jugueteó con mi partitura porque su visión sobre la película había cambiado. Eso es correcto. No hay razón alguna por la que, durante el proceso de producción de la película no puedas verla de un modo distinto y darle a la banda sonora un rol diferente. Lo único que esperaba, supongo, era que Peter me llamase para decirme: - Hey, las cosas han cambiado. La película en la que pienso es diferente y tu banda sonora es increíble pero la voy a usar de otro modo”.

IT WAS A VERY GOOD YEAR.-

La Voz, (1915- 2015) como se le ha conocido, seguro que no ha sido la mejor que ha existido en el panorama musical, pero es que nadie ha fraseado como él, ni ha interiorizado las composiciones de otros con tal pasión que ha conseguido que todo el mundo se las atribuya a él. Siendo un actor de nivel medio, a pesar de ser ganador de un Oscar al mejor actor secundario, en el escenario se convertía en una personificación de lo que la canción requería y hacía que cualquiera se sintiera parte de ella.
Musicalmente supo adaptarse a los estilos del momento y su aportación a la transición del jazz al pop fue muy importante. Pero ya en los 60 su estilo está consolidado y es claramente el crooner de América, por lo que se dedica a grabar discos maravillosos como September of my Years del que destacó It Was A Very Good Year que le valió el Grammy de ese año y que está más cerca de ser un alegato autobiográfico que el propio My Way.

La canción se grabó por primera vez en 1961 por un grupo folk del momento llamado The Kimgston Trio, pero su paso a canción mítica lo consigue Sinatra en 1965.
La sesión de grabación de esta canción se efeectuó el 22 de abril de 1965 y fue filmada, de forma excepcional, por las cámaras de la CBS.
La melodía nace con un clarinete, un arpa y poco de cuerda. Después en cada una de las estaciones los instrumentos tratarán de representar sonidos evocadores como la sección de viento en la primera parte que recrea los trinos de los pájaros, o después el sonido de una ciudad. Y cada estrofa está separada por la sección de cuerda que se hace poderosa y nos prepara para los siguientes versos.
La letra es una evocación de una vida, que no es demasiado diferente a la suya, en la que recuerda sus diferentes momentos y los asocia a las mujeres que ha conocido, y como los convirtieron en buenos años. Seguro que ha tenido malos momentos, pero él quiere quedarse con aquellos aspectos que le procuraron placer y alegría, y que le definieron en lo que hoy es.



Cuando tenía diecisiete años fue un año muy bueno.
Fue un año muy bueno para las chicas del pueblecito y las suaves noches de verano.
Nos escondíamos de las luces en la plaza del pueblo.
Cuando tenía diecisiete años.

Cuando yo tenía veintiún años fue un año muy bueno.
Fue un año muy bueno para las chicas de la ciudad que vivían arriba de la escalera.
Con todo ese pelo perfumado y se lo soltaban.
Cuando yo tenía veintiún años.

Cuando yo tenía treinta y cinco fue un año muy bueno.
Fue un año muy bueno para las chicas de sangre azul con dinero, viajamos en limusinas conducidas por sus choferes.
Cuando yo tenía treinta y cinco.

Pero ahora los días se hacen cortos, estoy en el otoño del año.
Y ahora pienso en mi vida como un vino añejo de buenos y viejos barriles.
Desde el borde hasta la última gota, y lo vertía dulce y claro.

GALLIFREY.-

Gallifrey es el nombre del planeta, ficticio, de los Señores del Tiempo, el lugar donde nacieron el Dr. Who y El Amo.
La traducción literal de la palabra Gallifrey es "Los que caminan por las sombras"
Desde el principio de la serie moderna en 2005 hasta 2013, se estableció que el Doctor había destruido Gallifrey para poner fin a la Guerra del Tiempo, para matar a los Daleks y los Señores del Tiempo. Durante este tiempo, el Doctor vivió con la culpa de la destrucción de su planeta y de su gente, lo que fue una base argumental de gran número de historias, sobre todo en la era de Russell T Davies.
En el episodio especial de conmemoración del 50 aniversario, El día del Doctor, se hizo un cambio retroactivo de la continuidad, mostrando que en realidad, a última hora, el Doctor Guerrero no activó el arma de destrucción masiva conocida como el Momento, sino que en su lugar convocaron a las trece encarnaciones del Doctor, quienes, combinando las trece TARDIS al mismo tiempo, lograron congelar Gallifrey en un punto en el espacio y el tiempo, donde quedaría en animación suspendida. A partir de este momento la misión del Doctor será, pues, buscar a lo largo del espacio y el tiempo Gallifrey para localizarlo y reencontrarse de nuevo con su civilización, la de los Señores del Tiempo, que finalmente no fueron destruidos, aunque ninguna de las encarnaciones entre el Noveno, Décimo y Undécimo Doctor hasta ese punto recordarán este suceso por el revoltijo de corrientes temporales que se produjo en ese momento.



STARWATCHER.-

Dedicada a Jean Giraud (1938 - 2012), famoso dibujante del cómic franco belga de doble personalidad; en este caso dedicada a su personalidad de Moebius.
"la banda de Moebius es una superficie de una sola cara, lo cual es imposible en la realidad, cualquier plano tiene dos caras. Su representación gráfica es muy similar al símbolo del infinito en matemáticas".

Giraud se hace muy conocido en 1963 sobre todo a raíz de la publicación de "Las aventuras del teniente BLUEBERRY", una obra que le llevará el reconocimiento de multitud de lectores y que marcará inevitablemente el estilo futuro de este autor.
Ese mismo año, la necesidad de Giraud por indagar y buscar nuevas formas de dibujo y expresión, le llevan a crear el alter ego de MOEBIUS. Utilizando por primera vez este pseudónimo en el relato "HARA-KIRI".
A partir de este momento, ambos estilos (el de Jean Giraud y el de Moebius) coexisten paralelamente e incluso ha firmado algunos trabajos a medias como Gir.
Argumetalmente como Moebius, tiende al delirio y a la Ciencia-Ficción, mientras que como Giraud se decanta por historias de antihéroes con una fuerte moralidad en valores como el compañerismo o tomarse la justicia por la propia mano ante la maldad ajena.
Estilísticamente también se diferencian, el realismo y la parte más de "escuela", queda para Giraud; mientras que, de lo surrelista y la destrucción de la idea clásica de cómic se ocupa Moebius.
Publica en torno a una decena de libros de ilustraciones entre los que destacan La Mémoire du Futur (Paris, Gentiane, 1983), Venise Céleste (Paris, Aedena, 1984), Starwatcher (Paris, Aedena, 1986), Made in L.A. (Paris, Casterman, 1988), y Chaos (Paris, Les Humanoïdes Associés, 1991),

Starwatcher (edición española por Norma, Barcelona, 1986) es la ópera maxima de los libros moebiusianos, el volumen por excelencia en el que la palabra y la imagen logran un superior acomodamiento, una sinopsis casi perfecta. Los textos poéticos son mucho más abundantes que en otras ocasiones, y el silbo del trovador se manifiesta con una extraña rotundidad que circunda las ilustraciones y las dignifica ostensiblemente. Todo indica que Moebius ha planificado con detenimiento cada sección del libro, cada expresión y cada pie de imagen. El lenguaje expande su acostumbrado énfasis espiritual y las burbujas metafóricas van construyendo una estructura que toma su sentido y su rumbo desde el propio título. Por primera vez en estas obras, Moebius utiliza una voz autorial, tan compleja como ambigua, que se mece entre varios niveles de la diégesis. ¿Nos está hablando Moebius? ¿Lo hace, quizá, el vigilante? ¿Acaso las perspectivas de ambos se intercambian o superponen?



La metáfora se convierte en uno de los recursos más utilizados en Starwatcher. Muchos de los fragmentos nos ofrecen bellas traslaciones en las que el autor hace gala de un excelente gusto poético, rubricado, si cabe, con las invisibles redes que pergeñan las viñetas celestiales. Sin renunciar al léxico relacionado con el tiempo, el espacio y la apariencia, elementos que determinan el dibujo y también la vida misma, Moebius desarrolla expresiones metafóricas que revalidan la estética general del libro: “Nuestra conciencia es una nave que viaja bajo mil aspectos de mil vidas”, “La forma de la conciencia es la danza del mundo y el canto del cielo”, “Los grandes seres nos han dicho todo pero todo se borra cada mañana”. Bellas palabras para bellas imágenes.