La Muerte Estimula el Arte

El Museo de Arte Moderno de París, del 16 Octubre 2009 hasta el 10 Enero 2010, acoge la experiencia al límite de la muerte y otras similares de varios creadores bajo el título de Deadline. Son 12 artistas que tuvieron conciencia y constancia de su destino.

Es la idea y la paradoja de “morir viviendo”. La cercanía de la muerte adquirió para muchos artistas una lucidez, una vitalidad y a veces clarividencia creativa. Como si se despertara un sexto sentido. No todos reaccionan de la misma manera ni con el mismo desparpajo a la certeza de su muerte.
Absalon, Mitchell o De Kooning continuaron desarrollando sus investigaciones anteriores, marcadas a menudo por el lirismo, la soledad o su concepción de la transitoriedad de la vida; otros, como Gilles Aillaud o Hartung imprimieron en aquel momento a sus trabajos cambios radicales: el primero en cuanto a temas y ritmos, centrándose en pintar animales en cautiverio o pájaros perdidos en la inmensidad; el segundo renovó formatos y gama cromática.
Un tercer grupo reflejó con claridad en sus piezas su sentimiento trágico de la enfermedad, como fue el caso de Chen Zhen y Hannah Villiger; y por último, una cuarta opción, representada por Mapplethorpe, Kippenberger o Lee Byars, fue la de hacer visible la muerte en sus obras, en forma de calaveras o encarnando el ideal de eternidad poniendo en escena su propio fallecimiento con anticipación.
“A muchos artistas se les ha reprochado incluso haber cambiado de estética cuando tuvieron constancia de la muerte y haber abjurado de la radicalidad, o del vanguardismo. No ocurría así, en realidad. Ocurría, al contrario, que el lenguaje de muchos ellos a partir de la agonía o de la enfermedad se desarrollaba por encima de la comprensión ajena. Iba por delante de su tiempo”, en palabras de Odile Burlaraux.
Robert Mapplethorpe, Absalon, González-Torres. Los tres comparten desenlace y crispación a propósito del sida. La enfermedad adquirió un efecto paradójico sobre ellos: letal hasta el último aliento y estimulante como expresión de sus últimas obras.
“La aparición del sida cambió la percepción de la vida. El diagnóstico de la enfermedad, el sufrimiento que originaba y la proliferación de casos mortales dio origen a un pavor que necesariamente tenía que concernir a la sensibilidad de los artistas”.

Hans Hartung. ( Refer 1, Refer 2) Leipzig, 1904 - Antibes, 1989. Pintor alemán nacionalizado francés, conocido por sus obras abstractas de trazos caligráficos negros sobre fondo de colores. Precursor del expresionismo abstracto: la expresión libre y pura debe trascender la realidad. La pincelada rápida constituyó una característica básica de su método de trabajo. Percibió que se moría. Tenía suficientes años como para resignarse a la fatalidad, pero transformó los últimos meses de su vida en un período de fertilidad. La muerte fue un estímulo creativo. “El estímulo absoluto”, decía.

Hans Hartung - T 1989-K11 - Acrilico sobre Tela

Gilles Aillaud. París en 1928, falleció el 24 de marzo de 2005 también en París. No sólo fue un gran pintor y un gran escenógrafo, sino también un filósofo que supo plasmar sus reflexiones en los espacios y lienzos creados por él, además de dramaturgo (escribió La máscara de Robespierre y Vermmer y Spinoza), ensayista y poeta. Hemipléjico y agonizante, se declara optimista y liberara a los pájaros en sus paisajes figurativos.

Gilles Aillaud - Bassin avec Otarie -1976

Gilles Aillaud -Vol d’oiseaux - 2001, Huile sur toile

James Lee Byars. Americano. Detroit, 1932 – El Cairo 1997. “El artista Desconocido más famoso del Muindo”, un título adecuado para un hombre que hizó de su vida una performance y un juego, pero que muy a menudo permanecía fuera de alcance, inaccesible, una presencia efímera. Construye su propia tumba en láminas de oro.

James Lee Byars - The Diamond Floor -1995

James Lee Byars - Performance pour le vernissage The Death of James Lee Byars

Jörg Immeendorff. Pintor neoexpresionista alemán. Bleckede, el 14 de junio de 1945 en la Baja Sajonia y murió en Düssedorf, el 28 de mayo de 2.007 a los 61 años. Estudió fundamentalmente en la escuela de Joseph Beuys, Considerado uno de los mejores artistas de su generación, fue además dibujante, pintor y escultor. y uno de los que más hicieron por involucrar al arte en la política y la sociedad.
Se hizo célebre con "Café Alemania", una serie de telas que comenzó en 1978 y cuyo tema central era la partición de Alemania y sus consecuencias.
De una entrevista al artista: “El arte se vuelve político en el momento en que estimula a otras personas, cuando provoca que otras personas accedan a un nivel crítico más elevado. Es en sus consecuencias, cuando el arte se vuelve político, pero no existe un arte político en sí mismo. Además, el arte no es una maleta con muchas opciones, que uno abre, escoge una opción y se alegra la semana entera. Arte significa también retrocesos,desesperación, significa estar por delante.
en el fondo el artista es asocial, pero en su meta finales también la persona más social y política. Me interesa la convivencia humana, porque comparto esta tierra con otros seres humanos y eso es lo que convierte al hombre automáticamente en un ser social.”
Víctima de una esclerosis lateral amiotrófica (ELA), el artista germano necesitaba recurrir a una cuadrilla de subalternos para concebir sus pinturas negras, igual que si fuera el director del apocalipsis. Immendorff se confiaba a su propia enfermedad, la conjugaba con los esqueletos, los cuerpos descoyuntados y las visiones del infierno.

Jörg Immendorff - Door to the Sun -1994

Jörg Immendorff - Ohne Titel - 2005

Willem de Kooning. (refer 2) Pintor expresionista abstracto estadounidense, de origen holandés. Rotterdam 1904 - Long Island 1997.
El término action painting se aplicó por primera vez a la obra de De Kooning y hace referencia a sus trazos vigorosos, amplios y muy marcados. A finales de la década de 1950 evolucionó hacia un estilo más abstracto en sus obras, que evocan formas paisajísticas y, desde entonces, ha alternado el estilo figurativo y el abstracto, combinándolos en ocasiones. dos temáticas fundamentales: el paisaje, tanto urbano como rural, simplificado de tal manera que alcanza la abstracción, y la figura femenina, presentada de forma desgarrada y castigada con salvaje crueldad para convertirse en el elemento más original de su producción
“Aquella feroz mujer que pintó no se basó en su vida conmigo. Comenzó cuando él tenía tres años.” - Elaine de Kooning, la esposa de Willem, sobre la serie "Women."
De Koening padecía Alzheimer, en los 80 un tribunal lo declaró incapaz para la administración de su patrimonio, estando bajo la tutela de su hija desde 1989.
En los años 80 el artista pintó 288 obras y entre 1983 y 1986, la temporada más prolífica, produjo casi una pintura cada semana. A finales de 1987 sus condiciones de salud empezaron a empeorar progresivamente. En 1990, a la edad de 86 años, abandonó la pintura.
Su vida cotidiana se resentía de los pozos de ausencia y abstracción. Pero la enfermedad y la decadencia le otorgaron una estimulación de su sensibilidad artística; no hacia la oscuridad, sino hacia la luz. Interpreta la muerte como una oportunidad de exploración cromática que ni siquiera altera su serenidad.
Los críticos consensuan que sus últimas obras son un compedio y una recapitulación de la ejecutoria. La expresión artísitica y el instinto estético habían conjurado de alguna manera, la ferocidad el Alzheimer. Otros que conocieron a de Kooning personalmente señalan que sus últimas pinturas se las quitaron y las vendieron antes de que pudiera acabarlas.

Willem de Kooning - Excavation - 1950

Willem de Kooning - No Title, New York, Fondazione de Kooning, 1988

Abasalon, israelita, Ashod, Israel, 1964 – Paris, 1993, a los 29 años, parisino de adopción. Artista multimedia. Los espacios vitales propuestos por Absalon son realizaciones arquitectónicas y esculturales de experiencias corporales existenciales ancladas en teorías del Minimal Art. A partir de 1988 realizó obras sobre todo en miniatura, y desarrolló pequeñas unidades de espacios vitales, llamadas “celdas”, hechas a medida al tamaño de su propio cuerpo y equipadas con las necesidades básicas para vivir.
Dejó en herencia una cámara mortuoria y unas videocreaciones que recuerdan a la claustrofobia y al pánico de un insecto en un vaso de agua.

Absalon - Disposición -1988

Féliz González-Torres. (Refer 2). Cubano, nacido en Cuba y fallecido en 1996, en Estados Unidos luego de luchar contra la enfermedad del SIDA. Es uno de tres participantes del colectivo de artistas conocido como Grupo Materia.
González-Torres le da a imágenes y formas simples una tremenda profundidad en significado y emoción.
Las piezas de Gonzalez-Torres son indestructibles, en tanto pueden ser duplicadas indefinidamente. Siempre van a existir porque, en realidad, no existen o no necesitan existir todo el tiempo. En general, eran preparadas para exposiciones concretas y a veces en distintos lugares al mismo tiempo. Al fin y al cabo, no hay un original, sólo un único certificado de autenticidad. Para él, era fundamental llegar con una pieza hasta las últimas consecuencias, investigar nuevas nociones de instalación, producción y originalidad. Tal como Gonzalez-Torres lo expresó, sus obras necesitan la interacción del espectador de forma que se genere un proceso de “adueñamiento” colectivo de la obra. Sin el público, ellas no son nada.

Sus fotografías delatan más la ausencia que la presencia. Untitled de 1991, surgida según indica la anécdota, después de que falleciera la páreja de Félix (quien era abiertamente homosexual). Es la fotografía de una cama recién abandonada, que amplió para colocarla en diversos espectaculares publicitarios de la ciudad, sin algun letrero o alguna indicación.

Robert Mapplethorpe. (Refer 2, Refer 3). Nueva York, el 4 de noviembre de 1946 – Boston, el 9 de marzo de 1989. Sus cenizas se encuentran en el cementerio de Queens, cuya lápida dice “Maxey“, sin decir su nombre.
Célebre fotógrafo norteamericano por sus fotografías en blanco y negro de gran formato, especialmente flores y desnudos. El contenido sexual de algunos de sus trabajos, calificados de pornografía, generó más de una polémica durante su carrera.
Sus últimas fotografias aluden más a la vanidad y a la perfeccción del arte, se amortaja a si mismo y radicaliza el maniqueismo del blanco y el negro.

Como un Hamlet posmoderno con un bastón en forma de calavera. Envejecido por los años y sereno como el sacerdote de una tribu.

Chen Zhen. Chino. Shangai (China), 1951 - París, 2000. Murió a los 45 años. incansable viajero. Diálogo, escritura y memoria son palabras clave en una obra caracterizada por la mezcla y la integración de elementos procedentes de distintas culturas y por la primacía concedida al objeto. El uso de materiales orgánicos y reciclados es otra de las características de su producción. busca establecer un diálogo entre los materiales cotidianos de la sociedad de consumo, y el género humano, otorgando a esos materiales un nuevo significado.
Considera su convalecencia por su fatal anemia una bendición, porque otorgan fuerza a su voluntad y espíritu. Porque convierten sus obras, frágiles como el cristal, en terapia paliativa de emergencia. “La crisis de mi cuerpo se ha transformado en energía vital y esta energía hace que el arte me apasione”

Chen Zhen - Un Village sans Frontieres - 2000

Martin Kippenberger. Dortmund, 25 de febrero de 1953 – Viena el 7 de marzo de 1997, fue un influyente artista alemán con muhco gusto por las travesuras.
Su arte se relaciona con el movimiento artístico alemán Neue Wilde. Fue un artista todoterreno: pintor, escultor, instalador, diseñador gráfico, comisario, etc. Amante de la polémica,
Trabajó con grupos de ayudantes para llevar a cabo una dialéctica centrada en temas de la baja cultura que el artista eleva a la categoría de arte. Imágenes propias de la cultura juvenil, referentes de marcada banalidad, sirvieron al artista para desarrollar su enorme universo plástico, construido en tan solo dos décadas. Adorado y odiado, fue blanco de numerosas críticas por su condición de showman y su constante provocación

Martin Kippenberger- Paris Bar Berlin

Escultura de una rana crucificada, sosteniendo un tarro de cerveza en una mano y un huevo en la otra

Joan Mitchell. Chicago, Illinois em 1925, muere en Vétheuil, a las afueras de París, Francia en 1992.
Pintora del grupo expresionista abstracto, sus pinturas son altametne expresivas y emocionales. El paisaje era la principal influencia en sus temas. Pintaba sobre lienzos sin imprimar o fondo blanco, con brochazos en ocasiones violentos.

Joan Mitchell - Sunflower III, 1969

Joan Mitchell: Sunflowers, 1990-1991

Hannah Villiger. Cham, Suiza, 1951 - Auw, Suiza, 1997, a los 46 años, definió su propia actividad fotográfica como “escultura”
Mientras en los años setenta produjo series que exploraban los efectos del movimiento (hojas de palma ardiendo, aspersores, pelotas volando), desde principios de los ochenta hasta su temprana muerte, convencida de albergar otras muchas personalidades en ella misma emprendió una obsesiva, fragmentada y solitaria observación de su propio cuerpo con una cámara Polaroid, persiguiendo la máxima aproximación a la piel.
No son, en modo alguno, autorretratos al uso. Sus rodillas, sus puños, sus brazos, sus muslos y su rostro, que siempre muestra en fragmentos, las partes de su cuerpo en las que la artista se fotografía, son los pasos seguidos en su búsqueda de esas otras mujeres que habitan en ella
esos fragmentos anatómicos serían símbolos de los espectros, transposiciones de los seres invisibles que persiguieron a Hannah Villiger, a los que fue a exorcizar en sus autorretratos.

Hannah Villiger - Bloc

Hannha Villiger - Skulptural, 1988-89

Adaptado de Rubén Amón, El Mundo, 28/11/09 Sección Cultura, y de todas las reseñas indicadas.